석동미 초대개인전 〈꿈의 궤적〉 – 색동으로 이어진 행복의 순환 2026.01.06~02.22 행복의 색, 꿈의 패턴 우리는 언제부터 꿈을 '이루어야 할 목표'로만 여기게 되었을까. 속도와 효율이 삶의 기준이 된 시대에서, 꿈은 종종 미뤄지거나 포기해야 할 것으로 취급된다. 석동미의 작업은 이러한 동시대의 감각에 질문을 던지며, 꿈을 다른 방식으로 사유하게 한다. 이 전시는 꿈을 이루는 이야기보다, 꿈을 어떻게 삶 속에서 포기하지 않고 유지해왔는지에 대한 기록에서 출발한다. 작가의 작업은 부메랑에서 시작된다. 던지면 반드시 되돌아오는 이 도구는, 사라진 것처럼 보였던 꿈과 감정이 사실은 우리 삶 어딘가를 순환하며 남아 있음을 상징한다. 반복되는 선택과 사소한 행위들은 당장 눈에 띄는 결과를 만들지 않더라도, 결국 미래의 자신에게 되돌아와 삶의 결을 형성한다. 이 순환에 대한 믿음은 불확실성과 불안이 일상이 된 오늘을 살아가는 우리에게 중요한 감각이 된다. 색동은 이러한 순환에 색의 언어를 더한다. 한국 문화 속에서 기원과 축복, 보호와 희망을 상징해온 색동은 작품 속에서 끊임없이 반복되고 배열된다. 이는 단순한 장식이 아니라 태도에 가깝다. 작가는 색을 통해 말한다. 행복은 일회적인 성취가 아니라, 무너질 듯한 순간에도 다시 선택해야 하는 상태이며, 반복 속에서 비로소 유지된다고. 같은 색을 다시 칠하고, 같은 패턴을 이어가는 행위는 불안정한 현실 속에서도 삶을 긍정하려는 조용한 저항이 된다. 작품에 등장하는 '어린 왕자'는 보이지 않는 가치를 믿는 시선의 은유이다. 그것은 특별한 이상향이 아니라, 각자의 일상 속에 여전히 남아 있는 순수한 감각을 가리킨다. 어린 시절에만 가능하다고 여겨졌던 이 믿음은, 오히려 지금 이 시대를 살아가기 위해 더욱 절실한 태도일지도 모른다. 이번 전시는 개인의 기억에서 출발하지만, 동시대를 살아가는 우리 모두의 이야기로 확장된다. 꿈은 멀리 있는 이상이 아니라, 반복되는 삶의 선택 안에 존재한다는 메시지를 전한다. 작품은 던져지고, 관람자의 시선과 일상 속으로 들어가 또 하나의 궤적을 남긴다. 그 궤적 위에서 각자는 자신만의 색으로 행복의 패턴을 다시 그려나가게 될 것이다. 르비드 대표 민경숙 어린 시절, 크레파스와 스케치북만 있으면 하루 종일 시간을 보낼 수 있었다. 집 앞마당의 풀을 그리던 꼬마였던 나는, 화가가 꿈이었지만 장남이라는 이유로 그 꿈을 접어야 했던 아버지와 함께 그림을 그리며 자랐다. 연두색과 초록색으로만 풀을 색칠하던 내게 아버지는 "풀을 가만히 보면 다양한 색들이 숨어 있다"고 말씀하셨고, 그 순간은 사물을 바라보는 나의 시각을 바꾸어 놓았다. 보이지 않던 색을 발견하는 경험은, 이후 내가 세상을 바라보고 작업을 이어가는 방식의 출발점이 되었다. 나의 작품은 어린 시절의 꿈, 아버지의 꿈, 그리고 현재 내가 꾸고 있는 꿈을 잇는 매개체로서의 부메랑에서 출발한다. 부메랑은 던지면 반드시 되돌아오는 도구이자, '지나간 것'과 '아직 오지 않은 것'을 동시에 품은 존재이다. 과거에 던져진 부메랑이 미래의 나에게 돌아오듯, 현재의 선택과 반복되는 행위가 결국 미래를 만들어간다는 믿음이 이 작업의 바탕에 놓여 있다. 색동부메랑은 이러한 사유 위에 색이 지닌 의미를 더한다. 색동은 오랜 시간 한국 문화 속에서 기원과 축복, 보호와 희망을 상징해 왔다. 나는 색동의 색을 단순한 장식이나 조형적 요소로 사용하지 않는다. 대신, 각 색이 이미 품고 있는 의미와 감정을 반복적으로 불러내고, 그 의미가 축적되고 지속되기를 바라는 마음으로 색동을 선택한다. 작업 속에서 반복되는 색의 사용은 곧 행복을 믿고 유지하려는 행위이며, 꿈이 사라지지 않도록 붙잡아 두는 방식이 된다. 작업 방식 또한 이러한 개념을 반영한다. 나무, 아크릴, 철재 등 다양한 재료로 부메랑의 형태를 만들고, 이를 반복적이고 패턴화된 구조로 배열하거나 수십, 수백 개를 조합해 하나의 형상과 공간을 이룬다. 색동과 단청, 매화 등 전통 문양에서 비롯된 색감은 부메랑 위에서 현대적인 조형 언어로 재구성되며, 과거와 현재, 전통과 개인의 기억을 연결하는 매개로 작동한다. 여기에 나는 '어린 왕자'라는 상징을 더한다. 어린 왕자는 순수한 시선으로 세상을 바라보고, 보이지 않는 가치를 믿는 존재이다. 이는 내 안에 남아 있는 어린 시절의 나이자, 여전히 꿈을 믿고자 하는 마음의 형상이다. 부메랑의 순환성, 색이 지닌 의미, 그리고 어린 왕자의 순수함이 겹쳐지며, 나의 작업은 결국 "꿈은 반복 속에서 사라지지 않고, 다시 돌아온다"는 믿음을 이야기한다. 앞으로의 작업에서 부메랑은 개인의 기억을 넘어 공동체의 희망을 담는 매개체로 확장될 것이다. 나는 오늘도 작품을 세상에 던진다. 그것이 관람자의 마음속에서 또 하나의 꿈이 되어 되돌아오기를 바라며, 나의 부메랑은 던지기 전보다 조금 더 많은 의미와 더 반짝이는 행복을 품고 돌아온다. 석동미

박준석 초대개인전 Black Light, White Shadow: The Perception of Color 검은 빛, 흰 그림자: 색의 인식 2025.12.09~2026.01.04 <기획자 서문> 사물에서 가치로 – 또 하나의 '번역' 박준석의 회화는 언제나 '사물'에서 시작된다. 스마트폰, 음료컵, 인형, 화병과 같은 일상적인 오브제들은 그의 화면 속에서 흑과 백의 패턴으로 해체되고 다시 조합되며, 단순한 대상의 재현을 넘어 '인식의 구조'를 탐구하는 매개로 작동한다. 작가에게 흑과 백은 단순한 색의 대비가 아니라, 빛과 어둠, 보임과 보이지 않음, 존재와 부재가 교차하는 인식의 경계이자 사물을 바라보는 인간의 시각 체계 그 자체이다. 이번 전시에서 박준석은 기존의 흑백 기반 작업 위에 한층 확장된 색의 개입을 더하며, '색이 인식되는 순간'에 관한 탐구를 이어간다. 검은 빛과 흰 그림자가 만들어내는 역설적 공간 속에서 색은 더 이상 장식적 요소가 아니라, 인식의 조건이자 감각을 확장하는 또 하나의 층위로 등장한다. 화면은 여전히 흑과 백의 엄격한 질서 위에 놓여 있지만, 그 사이로 스며든 색은 사물과 공간을 전혀 다른 감각으로 다시 보게 만든다. 특히 2025년 작업에서 두드러지는 변화는 골드를 포함한 메탈 컬러의 본격적인 도입이다. 2024년 말부터 사회 전반에 확산된 경기 불안의 흐름 속에서 사람들은 이전보다 더욱 선명하게 '가치'와 '소유'에 대한 상징을 탐색하기 시작했고, 이러한 심리는 미술 시장 전반에서 골드 컬러에 대한 선호로도 이어졌다. 실제로 최근의 금값 급등은 글로벌 경제 불안, 통화 체계의 흔들림, 지정학적 위기와 안전자산에 대한 집단적 심리가 복합적으로 작용한 결과로, 단순한 시장 현상을 넘어 동시대의 불안을 드러내는 상징적 지표라고 할 수 있다. 올해 박준석의 화면에 더해진 골드 메탈 컬러 역시 단순한 시각적 변화나 유행의 반영이 아니다. 그는 사물 자체를 골드 메탈 컬러로 치환하거나, 시그니처 모티브인 곰돌이 인형 위에 금빛 왕관을 씌우는 방식으로, 이 시대가 품고 있는 욕망과 불안, 그리고 가치의 방향성이 어떻게 변화하고 있는가를 질문한다. 특히 곰 인형 위의 왕관은 권력이나 부의 상징이기 이전에, 불확실한 시대 속에서 인간이 끝내 놓지 않으려는 '가치에 대한 환상'이자 '안정에 대한 갈망'을 암시한다. 이러한 금속성의 색채는 기존의 매트한 흑백 패턴과 충돌하며 강한 시각적 긴장을 만들어내고, 물질과 가치, 감각과 욕망 사이의 관계를 한층 더 날카롭게 부각시킨다. 이때 골드는 더 이상 장식적 색채가 아니라, 시대의 무의식이 응축된 상징적 색으로서 화면 위에 자리한다. 박준석의 작업은 개별 사물에 머무르지 않고 점차 '공간'으로 확장되어 왔다. 하나의 캔버스 안에 단일한 오브제가 놓이기도 하고, 여러 사물들이 장식장 속에 배치되어 또 하나의 가상 공간을 구성하기도 한다. 더 나아가 전시 공간 전체에 동일한 패턴과 구조를 입히는 방식으로, 회화와 현실의 경계는 점점 희미해진다. 이때 장식장은 단순한 배경이 아니라, 사물이 놓이고 인식이 작동하는 하나의 '무대'이자 '틀'로 기능한다. 특히 이번 전시에서는 장식장의 모티브에 한국의 전통적 실물 조형 요소가 적극적으로 차용된다. 캔버스 네 모서리에 적용된 전통 장식 문양, 그리고 실제 금속 모서리 장식을 화면 위에 직접 사용하는 시도는 평면과 입체, 회화와 사물의 경계를 더욱 긴밀하게 연결한다. 이는 단지 조형적 장식의 차원을 넘어, 서구적 원근과 현대적 오브제 위에 한국적 조형 감각이 중첩되는 또 하나의 '번역'의 과정이라 할 수 있다. 박준석의 작업은 매년 같은 주제를 반복하는 듯 보이지만, 그 내부에서는 미세한 변화와 조용한 진화가 끊임없이 진행된다. 구조는 유지되지만 색은 달라지고, 패턴은 반복되지만 사물의 배치와 공간의 깊이는 조금씩 변주된다. 흑백에서 컬러로, 다시 메탈릭 골드에 이르기까지 그의 색채는 단순한 확장이 아니라, 시대의 감각과 인간의 인식을 기록하는 하나의 축적된 시간이다. 이러한 디테일의 축적은 초기작과 현재의 작업 사이에 분명한 '업그레이드'의 궤적을 형성하며, 그의 회화가 여전히 현재진행형의 탐구임을 증명한다. 〈검은 빛, 흰 그림자: 색의 인식〉은 사물에서 출발한 이미지를 공간으로 확장하고, 흑백의 인식 구조 위에 색과 메탈이라는 새로운 층위를 더하며, 나아가 '가치'라는 개념으로 이행해 온 박준석 회화의 현재를 보여주는 전시이다. 일상의 오브제는 화면 안에서 다시 배치되고, 공간은 패턴과 구조로 재구성되며, 색은 시대의 심리와 불안을 반영하는 기호로 전환된다. 이 전시는 우리가 익숙하게 바라보던 사물과 색, 그리고 가치의 체계를 다시 읽게 만드는 하나의 과정이며, 사물에서 가치로 이동하는 또 하나의 '번역'의 장면을 조용하지만 분명하게 제시한다. Park Junseok's painting always begins with the notion of the "object." Everyday items such as smartphones, disposable cups, dolls, and vases are dismantled and reassembled through black-and-white patterns on his canvas, functioning not merely as representations of objects but as mediators for examining the structure of perception itself. For the artist, black and white are not simply contrasting hues, but boundaries of perception where light and darkness, visibility and invisibility, presence and absence intersect. In this exhibition, Park extends his longstanding monochrome-based practice through an expanded intervention of color, continuing his inquiry into the very moment when color becomes perceptible. Within the paradoxical space created by black light and white shadow, color appears not as a decorative addition but as a condition of perception and an additional sensory layer. While the pictorial order remains grounded in strict black-and-white structure, the colors that seep through this order compel viewers to re-encounter objects and space through an entirely new sensory mode. A particularly notable development in Park's 2025 works is the full emergence of metallic colors, including gold. Since late 2024, amid the widespread economic downturn, society's intensified search for symbols of "value" and "possession" has also been reflected in the growing preference for gold tones within the art market. The unprecedented surge in gold prices is not merely a financial phenomenon, but a symbolic indicator shaped by global economic instability, fluctuations in currency systems, geopolitical tensions, and collective psychological reliance on safe assets. The introduction of gold into Park's recent works is therefore far from a superficial stylistic shift or a response to popular trends. By transforming objects themselves into metallic gold or crowning his signature teddy bear motif with a golden crown, Park questions how contemporary desires, anxieties, and notions of value are being reformulated. The crown, in particular, signifies not simply power or wealth, but rather the illusion of value and the longing for stability that humanity refuses to relinquish in an uncertain age. In collision with the matte surfaces of black-and-white patterns, the metallic gold generates sharp visual tension, heightening the relationship between material and value, sensation and desire. Here, gold ceases to be decorative and instead becomes a symbolic color in which the unconscious of the era is condensed. Park's practice does not remain confined to individual objects but continuously expands into "space." A single object may occupy a canvas, while in other works, multiple objects are arranged within a display cabinet to form an illusory interior. This expansion extends further as identical patterns and structural orders infiltrate the entire exhibition space, blurring the boundary between painting and reality. In this context, the cabinet serves not merely as backdrop but as a "stage" and "framework" where objects are placed and perception is activated. In this exhibition, particular attention is drawn to the incorporation of traditional Korean structural ornaments as tangible sculptural elements within the cabinet motif. Traditional decorative patterns applied to the four corners of the canvas, along with actual metal corner fittings affixed directly onto the surface, forge a tighter connection between flatness and volume, painting and object. This is not a purely decorative gesture, but rather another act of "translation" through which contemporary Western perspective and modern objects are overlaid with Korean formative sensibility.

백준승 초대개인전 Lucky Box: Light and Silence - 빛과 고요 사이, 다시 만난 마음의 상자 2025.10.14~11.09 <기획자 서문> 당신 앞의 상자 속, 작고 빛나는 이야기 우리는 하루에도 수없이 많은 상자를 엽니다. 택배 상자, 디지털 화면, 그리고 기억 속 오래된 상자까지. 그 안에는 예측할 수 없는 감정과 기억이 들어 있으며, 그것들이 오늘의 우리를 만들어갑니다. 백준승의 「Lucky Box: Light and Silence」는 그 상자를 다시 열어보는 회화적 행위입니다. 작가는 어릴 적 명절에 받았던 종합선물세트의 설렘처럼, 단순한 사물이 아닌 '기다림의 감정'을 되살립니다. 그러나 그 상자 속 주인공은 사람이 아니라, 우리가 어린 시절 마음속에 품었던 인형들입니다. 작가에게 인형은 단순한 놀이의 대상이 아니라, 소망의 매개체이자 감정의 거울입니다. 유년기의 인형들은 어른이 된 후에도 여전히 우리 안에 남아, 외로움과 위안을 대신 표현해주는 존재로 살아 있습니다. 백준승은 이 잊혀진 감정의 대상을 동시대의 언어로 다시 호출하며, 현실과 환상의 경계에 선 회화적 세계를 구축합니다. 그의 인형들은 디지털 이미지처럼 정교하지만, 그 표정과 자세에는 따뜻한 서정이 깃들어 있습니다. 그것은 인공지능과 알고리즘이 일상의 감정을 대체하는 시대 속에서, 인간이 스스로에게 건네는 아날로그적 위로이기도 합니다. 작가는 '럭키박스'라는 장치를 통해, 빠르게 변하는 세상 속에서도 변하지 않는 감정의 형태를 탐구합니다. 르비드의 공간은 이번 전시를 통해 '비움과 감각의 재구성'이라는 철학 속에서, 작가가 제시하는 기억의 회화, 감정의 풍경을 새롭게 마주합니다. 그의 인형들이 머무는 상자 속에는, 여전히 빛과 고요가 공존합니다. 그곳에서 우리는 잠시 멈춰 서서, 오래전 잊고 지냈던 질문을 떠올리게 됩니다. "당신은 마지막으로 어떤 설렘을 기다려본 적이 있나요?" <작가노트> Lucky Box Series